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quinta-feira, 24 de outubro de 2013

AS 10 CENAS INESQUECÍVEIS DO CINEMA





            Nunca fui muito adepta a listas, primeiro porque não as considero fechadas, nem como realmente sendo as melhores, depois porque sempre considerei, que o que a lista trazia era apenas a opinião pessoal de quem escreve. Sou daquelas que dá tudo por um filme antigo, para mim filme antigo, mas do que recriar um momento histórico é uma viagem ao passado onde me conecto com a época, seus hábitos e costumes, os filmes que eu apresento aqui não tem menos de quarenta anos, e muito já foi dito sobre eles. A ordem que construo nesse post é do impacto que esses filmes provocaram em minhas observações visuais e estilísticas. Reitero  que essa lista não está fechada nem tem a pretensão de ser a expressão da verdade, é somente minhas impressões pessoais. 


1-Breakfast and Tiffany (1961)- a cena que considero memorável é a de entrada quando Audrey Hepburn desce do taxi numa Nova York que ainda acorda, ao som da memorável moon river. Audrey (Holly) apresenta uma composição entre inocência e futilidade, quando toma seus cafés da manhã em frente à joalheria Tiffany para esquecer dos problemas e de buscar um mundo que não é seu mas que gostaria que fosse.



         2- Cinderela em Paris (1957)-  esse filme tem uma aura tão mágica que passei dias com as cenas na cabeça, Paris, a Cidade luz, brilha ainda mais nesse show, protagonizado por Audrey Hepburn e Fred Astaire, eles brilham e encantam, cantando e dançando em locações externas em plena Paris. Trata da transformação da personagem de Hepburn de uma balconista de loja em uma top model, fotografada e apaixonada por Astaire, que aceita o trabalho pelo prazer de conhecer Paris. Fanny face, é daqueles filmes que o tempo passa, mas o encanto permanece.


            3- Dow Argentine Way (1940)- primeiro o que me seduziu no filme foi a película em Tecnicolor, e o clima da política de “boa vizinhança, dos americanos com a América do Sul em plena Segunda Guerra Mundial, o roteiro é bem típico da época, uma americana que passa férias na Argentina e se apaixona por um rico proprietário de cavalos de corridas. Mas quem realmente rouba a cena é a Carmen Miranda, que sem falas nem maiores atuações, deixa a Fox impressionada com sua nova aquisição, sua estreia no cinema americano, não poderia ser mais autentica, quando se apresenta no Clube Noturno como ela mesma, cantando e dançando a memorável canção Mamãe eu quero de Jararaca.


            4- Casa Blanca (1942)- os americanos conheciam muito pouco o Marrocos, quando filmaram Casa Blanca, o que marca é o clima de Guerra que o mundo vivia, e fora o triângulo amoroso, a cena mais memorável que considero é a Marselha, cantada no clube noturno, como símbolo da resistência a invasão alemã. Merece destaque a performance carismática de Bogart e Bergman, o dilema de Bogart é ficar entre o amor e fazer a coisa certa, deixar Ilsa escapar com o marido. O filme retrata como ninguém, o clima de medo, suspensão de direitos e insegurança que se vivia durante a Segunda Guerra Mundial.


            5- Crepúsculo dos Deuses (1950)- o filme já começa incomum, com um escritor narrando os acontecimentos que o levaram a morte.  Fugindo de cobradores Joe se vê em uma antiga mansão de Hollywood, onde ele começa uma relação com a sua proprietária a antiga atriz de cinema mudo Norma Desmond (Glória Swanson). O interessante é como Hollywood se debruça sobre si própria, avaliando seus próprios fantasmas. Norma rouba a cena o filme inteiro com sua grandeza de atuação e expressões faciais típicas do Cinema Mudo. A atriz esquecida, pelo cinema com som se torna imortal na cena em que diz a icônica frase: eu sou grande, os filmes é que ficaram pequenos.


            6- Luzes da Cidade (1931)- a beleza desse filme é tão grande que é quase impossível vê-lo e não se deixar encantar, pela maestria de Chaplin, a mensagem do filme e a época em que ele se passa. O filme mostra que se vê mais com o coração do que com os olhos. A florista cega, ajudada pelo vagabundo, ao reconquistar a visão consegue reconhece-lo pelo toque da mão. A mensagem que se passa é que o amor começa na essência, indo além da aparência. 


            7- La dolce Vita (1960)- o que dizer de Felini, com a memorável cena de Anita Ekberg tomando banho na Fonte de Trevi em plena Roma e Marcelo Mastroianni, tentando achar leite para um gatinho que ele tinha encontrado na rua. A cena mais interessante é o fascínio de Mastroianni diante do banho de Ekberg. No desenrolar do filme percebe-se claramente a representação da decadência moral, a falsa moral e a preocupação com o rumo que a sociedade irá tomar dentro de um vazio existencial, político e ideológico que chega aos dias de hoje. 


            8- Cantando na Chuva (1952)- É daqueles filmes tão agradáveis que basta vê-lo para se esquecer os problemas e imaginar a vida colorida e musical. Gene Kelly cantando e dançando na chuva é a cena clássica e por excelência tem a cara do filme. Trata-se de uma sátira ao período de transição entre o cinema mudo e o falado, o que me fascina é uma alegria, infantil e até mesmo boba, mas deveras autêntica. E a famosa cena de Kelly, dançando e cantando na chuva ficará para sempre na cabeça de qualquer cinéfilo faça sol ou chuva.


            9- Laranja Mecânica (1971)- trata-se daqueles filmes que provocam profundas reflexões. Numa Londres do futuro, jovens violentos matam, estupram e roubam. Alex, o protagonista, vira cobaia de experimentos capazes de frear os impulsos violentos do ser humano, na volta do tratamento este não consegue conviver com a violência nem para se defender. A cena emblemática é a da manipulação do globo ocular no tratamento de Alex. Kubrick desnuda as falidas instituições da família, da política, da ciência, e do próprio homem, mostrando prazeres passageiros que levam a desconstrução do próprio eu.


10- E o Vento Levou (1939)- lembro que quando vi o filme pela primeira vez era criança e fiquei cansada, mas impressionada pela magistral reconstrução de uma época. Vivien Leigh e Clark Gable protagonizam uma grande história de amor e luta. Leight é o que o filme tem de melhor com sua atuação que se mantém atual e apaixonante, considero que o filme foi ousado para época em apostar numa mocinha corajosa e obstinada. Vejo o filme muito mais que um épico, mas um filme sobre determinação e sobrevivência, encarnado na figura da terra. A minha cena memorável é a de Scarlet sendo cuidada pela escrava.  Trata-se de um filme suntuoso, fascinante, inesquecível.


terça-feira, 10 de julho de 2012

QUANDO VI TEMPOS MODERNOS DO CHAPLIN





            Tinha 18 anos quando vi o filme Tempos Modernos de Charles Chaplin, estava cursando a disciplina de Sociologia I com a Doutora Conceição Maciel na Faculdade de Serviço Social, de imediato o filme não me causou tanto impacto, mas, como tive que revê-lo causou em mim impressões que carregarei por muito tempo, na condução de minha vida profissional. A imagem do vagabundo mostra a substituição do artesão pelo operário. O trabalho que o operário realiza o leva a um processo de alienação e de adoecimento com um colapso nervoso, no repetitivo processo de produção da linha de montagem. O vagabundo entra numa série de acontecimentos, sendo confundido com grevistas, comunista e louco, até encontrar uma órfã que passa a ser sua amiga e lutar com ele para sobreviver dentro do sistema capitalista.


O filme é mais do que arte puríssima é antes uma avaliação apurada da sociedade da época.  Após a crise de 1929, a produção industrial norte-americana reduziu-se pela metade, em 1933 o país contava com 17 milhões de desempregados, o Presidente Rossevelt, anunciou o New Deal que visava recuperar a economia. De 1934 a 1940 foi o período de crescimento do movimento operário, pressionado pelos movimentos grevistas o Congresso aprovou o direito de associação dos trabalhadores e Acordos Coletivos com os empresários.


Chaplin mostra toda a tipicidade da sociedade industrial do início do século XX nos EUA, uma sociedade mecanizada e voltada exclusivamente para o lucro. Com a adoção das práticas fordistas e tayloristas o trabalhador passa a deixar de ter qualquer influência na produção e o seu trabalho a ser mecanizado, para ser operário não precisava de especialização somente repetir o movimento das máquinas.



            Para mim a maior mensagem do filme é a relação homem-máquina, é a apropriação do tempo pelo sistema capitalista de produção. Máquinas são tão indispensáveis à produção que o homem passa a se confundir com elas. A cena que melhor retrata isso é quando Carlitos fica preso entre as imensas engrenagens de uma máquina, se confundindo e não podendo mais ser separados. A inadequação de Carlitos ao trabalho alienado perpassa todo o filme.


No fim do filme quando sua companheira, indignada com a situação de perseguição, miséria e desemprego pergunta: para que tudo isso? Ele responde: levante a cabeça nunca abandone a luta. Mas a reação deles não é o enfrentamento do capital mais se direcionar em relação ao campo. Em 1936 ano do filme, e do advento do cinema falado o personagem Carlitos se despede, são os chamados Tempos Modernos.