A POP ARTE DE ANDY WARHOL

            Andy Warhol é considerado um dos maiores artistas do século XX, sua obra sofreu influência de diversas fontes, incluindo o cinema, o jornalismo e até mesmo os detritos urbanos. Mas foi nas massas que ele encontrou mais inspiração. Fotos de artistas de cinema, de cantores de rock, de celebridades, latas de sopa, notas de dólar tudo poderia ser transformado em obra de arte.

            Através da linguagem utilizada em sua obra Warhol buscava comunicar suas ideias, seu fascínio pela comunicação de massa, seu ceticismo, sua ironia, sua visão democrática. Sua obra cultuava o objeto e se distanciava do mundo abstrato e se aproximava do caminho para a vertente pop. Pop se tornou o nome de um novo movimento quando o museu de Arte Moderna de Nova Iorque promoveu o seminário Symposium on Pop Art, que incluía entre os seus participantes nomes como Duchamp e Warhol.

            O que notadamente me interessa na obra de Warhol é que ela reflete a temporalidade da vida e dos objetos, mostrando o universo cotidiano como um conjunto de coisas a ser transformado em arte. Antes de sua obra ninguém poderia considerar uma lata de sopa como uma obra de arte, mas esse conceito foi transformado fazendo com que a arte e a vida se transformassem numa coisa só. Andy Warhol não era afeto a rótulos e repudiava a noção de invenção artística. Sua atitude é de alguém que negava a originalidade e a singularidade da arte, criando pinturas e esculturas virtualmente idênticas, chamava seu estúdio de fábrica.

Morte, vida, fama, publicidade, cinema, lixo, cultura urbana, cultura de massa, objetos do cotidiano. Todos esses elementos se unem para formar a linguagem artística de Andy Warhol. Através dessa linguagem, ele parece querer comunicar suas ideias. Warhol valoriza o simulacro em detrimento da obra de arte. Suas obras permanecem até hoje como um manifesto irônico a favor da democratização da arte, da fama e da ressignificação da morte.

UM FURACÃO CHAMADO FRIDA KAHLO

            Frida Kahlo é uma daquelas mulheres que pelo fato de existirem já chamam atenção sem muito esforços, conhecia um pouco de sua biografia de sua obra, e aprofundei esse conhecimento quando vi o filme Frida (2002) estrelado por Salma Hayek e Alfred Molina que faz o papel de Diego Rivera, marido de Frida. Frida nasceu no México em 1097 e não gostava de ser vista como filha da Revolução, tratava-se de uma revolucionária que acreditava ser capaz de mudar o mundo principalmente o seu próprio mundo.

            Sua vida foi marcada por tragédias, como um grave acidente de ônibus que partiu sua coluna obrigando-a a ficar impossibilitada. Começou a pintar quando sua mãe colocou um espelho perto de sua cama e  sempre pintou a si mesma, considerando que sempre fez o que via, o que sentia, sua vida, suas angústias seus anseios e o tumultuoso amor pelo seu infiel marido.

            O filme mostra a conturbada relação com o seu marido pintor, suas infidelidades que iam de um relação com uma modelo que ele estivesse pintando até com sua própria irmã. Para compensar a infidelidade do marido o filme mostra suas também relações extraconjugais com o revolucionário Trotski e outros homens e mulheres.

            A obra de Frida Kahlo foi considerada por críticos como surrealista, mas a própria autora nunca a considerou assim, acreditava pintar somente sua própria realidade. Isso fica evidente quando pintou muitas vezes o tema de filhos uma de suas maiores dores é não ter conseguido ser mãe, embora tenha engravidado. Em suas obras sempre procurou ressaltar as tradições e cores de sua gente o México.

 Frida era uma mulher real que tinha uma vida marcada pela luta constante da superação, os casos extra conjugais de ambos não refletem os padrões de um casal tradicional, eram artistas e suas visões de mundo refletiam outros interesses. Seus auto retratos mostram que sua arte buscava acima de tudo uma integração consigo mesma, a busca constante de uma liberdade quando dizia para que preciso de pés se tenho asas para voar. O filme presta um grande serviço a obra de Frida e ao conhecimento de sua pessoa pelo grande público. 

A ARTE DOS PADRÕES SIMÉTRICOS E ASSIMÉTRICOS

            Naturalmente temos uma tendência para a simetria, consideramos que tudo deve está ordenado, harmônico, alinhado. Nas artes essa tendência foi por muito tempo majoritária e acredito que ainda o é entre a média das pessoas. Na Grécia Antiga, o artista se preocupava com a reprodução da realidade voltada para a perfeição das formas.

            Nas obras de arte daquele período não há corpo humano que seja tão simétrico. A cópia meticulosa da aparência passava por um processo de embelezamento e era comum se omitir qualquer imperfeição. Essa simetria influenciou os conceitos de beleza da sociedade ocidental que associa o belo as noções de gosto, equilíbrio, harmonia e perfeição.

            No século XX essa noção de simetria foi contestada por muitos artistas e o assim assimétrico se destacou, a própria noção do que seja arte foi contestada e foram incluídos materiais e técnicas antes jamais pensadas. Marcel Duchamp (1887-1968), artista francês criou o termo ready made para classificar a utilização de um ou mais artigos de uso cotidiano, selecionados sem ritérios estéticos e expostos como arte em lugares especializados como museus e galerias.

            Outro exemplo de rompimento foi a pop art surgido na Inglaterra nos anos 1950 e muito usando nos Estados Unidos na década de 1960 também usava objetos comuns como garrafas e tampinhas e tinha o objetivo de criticar o consumismo, Andy Warhol (EUA 1928-1987), apresentava personalidades públicas e produtos relacionados ao consumismo do povo norte americano como refrigerantes e latas de sopa.

            A arte simétrica passa a conviver com o assimétrico. Para mim, arte é a transformação simbólica do mundo  que nasce da cabeça do artista, onde é influenciado pela sua cultura que transforma sua visão de mundo, daí a modernidade foi capaz de criar beleza para o assimétrico.