LA DOLCE VITA, O MELHOR DE FELLINI

            Vi La Dolce Vita de Fellini à uns dez anos, resolvi rever agora para escrever essa resenha aqui para o blog. o filme foi rodado em 1959, na Via Veneto, a rua romana das casas noturnas dos cafés e da badalação. Seu herói Marcello é um colunista de fofocas, que escreve crônicas sobre “a doce vida” de decadentes aristocratas, estrelas de segunda categoria, envelhecidos playboys e mulheres de comércio. O papel foi interpretado por Marcello Mastroianni, para mim seu papel mais representativo de um homem que caia na armadilha de uma vida de noites vazias e madrugadas solitárias.

            O filme transita de uma extravagância visual para outra, acompanhando Marcello enquanto ele caça histórias e mulheres. Ele tem uma noiva suicida em casa. Numa casa noturna, encontra uma promíscua socialite, e juntos visitam o covil de uma prostituta. O episódio não termina em degeneração, mas em sono.

            Outra madrugada. E foi ai que comecei a entender a estrutura do filme: uma sessão de madrugadas de idas e vindas. Marcello se enfia em casas noturnas subterrâneas, em estacionamentos de hospitais, em bordeis e numa antiga catacumba. E sobe no domo da igreja de São Pedro. As cenas de abertura na qual uma estatua de Cristo é transportada por Roma, casam o sagrado e o profano, recheando-as com dúvidas.

            Uma das primeiras sequencias mostra Marcello cobrindo a chegada em Roma de uma saudável mulher que é uma provável estrela de cinema (Anita Ekberg). A perseguição termina de madrugada quando ela entra na Fontana de Trevi, e ele vai atrás, idealizando nela todas as mulheres. A mulher. Ela permanece para sempre fora de alcance.

            O filme foi realizado com uma coragem ilimitada. Fellini parou aqui, no ponto divisor entre o neo realismo dos seus filmes anteriores e o carnaval visual dos seus extravagantes filmes. A trilha sonora é uma ajustada e perfeita composição para o filme. A formação do elenco é cheia de estereótipos, Anita Ekberg talvez não fosse uma grande atriz mas talvez a única capaz de se auto representar.

            Quando vi o filme a primeira vez imaginava que a “doce vida” representava o pecado, o glamour europeu, o enfadonho romance do cínico jornalista. Revendo agora tenho pena de Marcello, das sua noites vazias, da sua solidão. Talvez o que ele chama de “doce vida” não exista, mas é preciso descobrir cada um por conta própria.

BOTTICELI: AS MAIS BELAS PINTURAS DO RENASCIMENTO

Sandro Botticeli viveu na Florença da segunda metade dos anos 1400, período de intensa produção artística e efervescência cultural conhecido como Renascimento Europeu. Sua obra mesmo depois de todo esse tempo é capaz de causar inquietações e estranhamentos próprios da grande arte. Ver seu quadros é entender que ele queria por em prática uma filosofia realista, uma construção do belo fora do tempo e da história. Essa ideia do belo influenciou nossos mais profundos cânones do que seja a beleza ou mesmo uma imagem agradável.

Sua produção visa a contemplação, pela contemplação, livre de quaisquer aspectos mundanos. Sua pintura é feita de ritmos lineares que criam um movimento interno no quadro, quase um contínuo retorno que impede a imagem de fixar-se numa forma concreta, consistente situada num espaço construído. Ele era um artística fascinado pelas ideias e indiferente ao sucesso, sua arte é elevada e está a altura de seus contemporâneos.

É o tipo de artista irresistível, que exprimia os valores táteis fora de quase todas as referências do corpo. Seu quadro A Primavera, mostra a mistura entre o amor platônico e a obra de transcendência dantesca. Trata-se de uma unidade profunda entre poesia, filosofia, teologia e psicologia; o quadro é uma das visões mais sublimente evocativas, associativas, alusivas e profundas do Renascimento, quiçá da arte da poesia e da imaginação.

No quadro O Nascimento de Vênus, ele consegue na figura maleável e alongada de Vênus, o ápice da procura de uma beleza ideal e de uma perfeição formal coerente com os ideias neoplatônicos. A jovem recupera o protótipo da Vênus pudica, com a mão direita ao seio e a esquerda cobrindo a virilha, com os longos cabelos loiros e reluzentes como ouro como muitas áreas da pintura, em um efeito semelhante aos dos preciosos afrescos sistinos.

Botticeli completa um passo fundamental, em direção a formação do artista moderno, dado que com sua arte ele professa com certa ênfase aquilo que corresponde as suas convicções, à sua consciência e a sua esperança, por essa razão merece ser visto e discutido.

PIZZA: SUCESSO, SIMPLICIDADE E VERSATILIDADE

Uma das minhas inquietações gastronômicas era não ter tentado fazer pizza, nesse dias de ócio criativo, em que chamo minha cozinha de experimental, testei, fiz e deu certo. Dai pensei como um disco plano de massa assado no forno, coberto por molho de tomate, queijo e outros ingredientes se tornou o alimento fundamental do fast food que conhecemos e amamos. Assim como outros pratos de sucesso sua simplicidade e versatilidade são o segredo.

Devemos o surgimento da pizza provavelmente aos antigos gregos que gostavam de pães chatos cobertos com azeite e aos romanos que adicionaram uma generosa camada de queijo, mel e folhas de louro. Porém a verdadeira magia culinária aconteceu na Itália na cidade de Nápoles, por volta da segunda metade do século XIX. Uma pizza napolitana contém tomate e mozarela sobre uma massa crocante.

Uma receita simples requer bons ingredientes e o segredo do sucesso é o tomate San Marzano. O tomate San Marzano cresce nas planícies onde há uma rara combinação de nutrientes que só uma terra que treme por causa de um vulcão pode oferecer. É doce e tem uma polpa macia e sem sementes. É essencial em 90% dos pratos italianos.

Em 1889, por ocasião da visita da rainha Marguerita a Nápoles foi solicitado ao pizzaiollo de renome Raffaele Esposito para criar uma pizza em homenagem a rainha. Ele criou uma com queijo e manjericão que a rainha logo se apaixonou. A Marguerita passou a ser o padrão de comparação de todas as outras pizzas. Os italianos viram a pizza se espalhar pelo mundo ganhando tantas coberturas que a lei determina que uma autêntica pizza Marguerita leva tomate San Manzano.

A POP ARTE DE ANDY WARHOL

            Andy Warhol é considerado um dos maiores artistas do século XX, sua obra sofreu influência de diversas fontes, incluindo o cinema, o jornalismo e até mesmo os detritos urbanos. Mas foi nas massas que ele encontrou mais inspiração. Fotos de artistas de cinema, de cantores de rock, de celebridades, latas de sopa, notas de dólar tudo poderia ser transformado em obra de arte.

            Através da linguagem utilizada em sua obra Warhol buscava comunicar suas ideias, seu fascínio pela comunicação de massa, seu ceticismo, sua ironia, sua visão democrática. Sua obra cultuava o objeto e se distanciava do mundo abstrato e se aproximava do caminho para a vertente pop. Pop se tornou o nome de um novo movimento quando o museu de Arte Moderna de Nova Iorque promoveu o seminário Symposium on Pop Art, que incluía entre os seus participantes nomes como Duchamp e Warhol.

            O que notadamente me interessa na obra de Warhol é que ela reflete a temporalidade da vida e dos objetos, mostrando o universo cotidiano como um conjunto de coisas a ser transformado em arte. Antes de sua obra ninguém poderia considerar uma lata de sopa como uma obra de arte, mas esse conceito foi transformado fazendo com que a arte e a vida se transformassem numa coisa só. Andy Warhol não era afeto a rótulos e repudiava a noção de invenção artística. Sua atitude é de alguém que negava a originalidade e a singularidade da arte, criando pinturas e esculturas virtualmente idênticas, chamava seu estúdio de fábrica.

Morte, vida, fama, publicidade, cinema, lixo, cultura urbana, cultura de massa, objetos do cotidiano. Todos esses elementos se unem para formar a linguagem artística de Andy Warhol. Através dessa linguagem, ele parece querer comunicar suas ideias. Warhol valoriza o simulacro em detrimento da obra de arte. Suas obras permanecem até hoje como um manifesto irônico a favor da democratização da arte, da fama e da ressignificação da morte.

ELIS, PARA SEMPRE ELIS

Se viva fosse essa seria a semana de aniversário de Elis Regina conhecida cantora da Música Popular Brasileira. Embora hoje não escute tanto Elis, quando criança convivia com sua música que era ouvida em minha casa pelos parentes mais velhos. Quando estava na faculdade li Noites Tropicais do produtor musical Nelson Motta e conheci um pouco mais sobre sua trajetória e sua vida. É inegável sua voz dramática e o uso de diversos recursos vocais para acentuar essa característica.

            Sua interpretação é tão marcante que chega a interferir nas músicas e como se seu gosto, estilo e imagem pública pudessem evidenciar os elementos inscritos em uma canção. Sua voz é sempre cúmplice suas primeiras interpretações me lembram as antigas cantoras de rádio. Ela cantava sorrindo e as vezes era irônica, podia cantar também malandramente, improvisava e as vezes no meio de uma música soltava uma gargalhada. Acho que Elis é muito maior do que qualquer rótulo e sempre preferiu a complexidade da fluidez seja em sua identidade artística, quanto na forma como pensou o Brasil, a cultura brasileira, o cotidiano, a indústria cultural ou mesmo a política. Embora suas apresentações tenham um que de um espírito revisionista.

            Sua figura é de alguém que sempre primou pelo aperfeiçoamento, a versatilidade, o domínio técnico combinado com a espontaneidade e a embriaguez equilibrista sendo uma referência para outras cantoras suas contemporâneas ou de gerações posteriores. Elis parece ter criado uma gramática do canto, onde várias intérpretes, não só brasileiras fariam seus estudos. Nesse processo, atravessaria fronteiras temporais, como alguém que deve ser lembrado a partir da excelência alcançada e largamente aclamada pela crítica.

Como essa lembrança vem de uma necessidade do presente, não podemos considerá-la apenas como um rastro do passado, mas sim como algo que, a partir das práticas deste presente, atualiza-se, ganhando novo sopro de vida com as diversas reedições de sua obra chegando até a minha geração  e provando a longevidade de seus discos. O que fazem dela uma Elis, para sempre Elis.